15.11 | g. 20:00 | ZMORY | reż. Jan Jeliński

15.11 | sobota | g. 20:00 | Teatr Polski w Bydgoszczy
KUP BILET

Teatr Polski im. H. Konieczki w Bydgoszczy

Emil Zegadłowicz „Zmory”
scenariusz, reżyseria Jan Jeliński
scenografia, kostiumy, światła Dorota Nawrot
choreografia Wojciech Grudziński
wideo Agata Rucińska
projekt i wykonanie popiersia Maja Krupińska
udźwiękowienie spektaklu Bartłomiej Chmara
realizatorzy Bartłomiej Chmara, Daniel Dera, Daria Główczyńska
producentka Magdalena Niedźwiecka
inspicjentka Hanna Gruszczyńska
asystentka reżysera Emilia Piech

obsada Zhenia Doliak, Marian Jaskulski, Karol Franek Nowiński, Michał Surówka, Małgorzata Trofimiuk, Małgorzata Witkowska

 

Czy dojrzewanie musi być ZMORĄ? Twórcy i twórczynie spektaklu, podążając za powieścią „Zmory” Emila Zegadłowicza, skupiają się na dojrzewaniu Mikołaja, by korzystając zarówno z materiału zawartego w tekście powieści, jak i z własnych wspomnień i doświadczeń, zbadać specyficzne napięcia towarzyszące temu często niełatwemu okresowi.

Książka Emila Zegadłowicza, nazywana często powieścią „inicjacyjną”, opowiada o młodości ucznia przedwojennego gimnazjum, Mikołaja Srebrnego. Poznajemy go,
gdy rozpoczyna edukację, i śledzimy jego losy aż do zakończenia nauki. „Zmory” w swoich czasach wywołały skandal, elektryzując czytelników i krytykę – okrzyknięte zostały książką bulwersującą, pornograficzną i antyklerykalną. Po publikacji „Zmór” autorowi odebrano zarówno nazwę ulicy, która nosiła jego nazwisko, jak i honorowe obywatelstwo Wadowic. Kuratorium usunęło tytuł z bibliotek szkolnych, uznając powieść za demoralizującą. Autor został potępiony z ambon kościelnych i otrzymał setki obraźliwych listów.

Jednocześnie „Zmory” wzbudziły zachwyt odbiorców, między innymi Brunona Schulza i Juliana Tuwima, doczekując się długiego literackiego życia i kultowej adaptacji filmowej. Po wycofaniu z oficjalnego obiegu, stały się towarem niezwykle pożądanym, również przez młodzież. Istnieją świadectwa mówiące, że piętnastoletni wówczas Karol Wojtyła także zaliczał się do grupy czytelniczej „Zmór”.

Czy dziś historia dojrzewającego Mikołaja może wciąż wywoływać tak silne emocje? Spotkajmy się w Teatrze Polskim w Bydgoszczy, aby dać sobie okazję do zmierzenia się ze swoimi własnymi zmorami.

[ENG]

Must growing up be a NIGHTMARE?

Following Emil Zegadłowicz’s novel „Zmory” (“Nightmares”),  the creators focus on Mikołaj’s coming of age – using both material from the novel and their own memories and experiences to explore the tensions and contradictions that often accompany this difficult stage of life.

Emil Zegadłowicz’s book, often described as a “coming-of-age novel,” tells the story of a pre-war secondary school student’s youth. We meet Mikołaj at the start of his education and follow his journey until graduation.

At the time of its release, „Zmory” caused a scandal, electrifying readers and critics alike – it was branded obscene, pornographic, and anti-clerical. In the wake of the uproar, the author was stripped of both a street named in his honour and his honorary citizenship of Wadowice. The Board of Education removed the novel from school libraries, deeming it demoralising. Zegadłowicz was denounced from church pulpits and flooded with hundreds of hate letters.

At the same time, „Zmory” inspired admiration from figures such as Bruno Schulz and Julian Tuwim, securing its place in Polish literary history and later achieving cult status through a film adaptation. Once banned, the book became highly sought after even among young readers. There are accounts suggesting that the fifteen-year-old Karol Wojtyła (the future Pope John Paul II) was also among those who read Zmory.

Can Mikołaj’s story of adolescence still stir such powerful emotions today? Join us at the Polish Theatre in Bydgoszcz and give yourself the chance to confront your own nightmares.

 

Czas trwania: 100 minut bez przerwy.
Spektakl przeznaczony dla widzów 16+ – prezentowane są treści dotyczące cielesności i seksualności człowieka. W scenach pojawia się nagość i niecenzuralne określenia.

21.11 | g. 19:00 | PSY I LUDZIE | reż. Greta Oto (Anita Szymańska/Wiktor Stypa) | Gala Finałowa

21.11 | piątek | g. 19:00 | Teatr Polski w Bydgoszczy
KUP BILET

Stowarzyszenie Rozwoju Gitarystyki Polskiej 

reżyseria Greta Oto (Anita Szymańska/Wiktor Stypa)
autor
Vyacheslav Volkonsky
przekład
Greta Oto (Anita Szymańska/Wiktor Stypa)
scenografia
Maks Mac
horyzont Iwona Bandzarewicz
choreografia
Daniela Komędera
asystentka choreografki
Justyna Taborska
muzyka
Michał Lazar, Aleksander Pankowski vel Jankowski
światło
Klaudia Kasperska
producentka
Maria Alicja Jakubowska
produkcja
Stowarzyszenie Rozwoju Gitarystyki Polskiej

obsada Anna Andrzejewska, Filip Krupa, Grzegorz Łabuda, Krzysztof Rogucki, Anita Szymańska, Karina Grabowska-Fiałek, Aleksander Kaźmierczak (głos)

 

Przed wojną w Ukrainie mieszkało około 750 tysięcy psów i ponad pięć milionów kotów. Nie wiemy, ile z nich przeżyło, ile zginęło w bombardowaniach, a ile wciąż błąka się po ruinach, cichutko nawołując właścicieli, którzy nigdy nie wrócą.

W schronisku o wiele mówiącej nazwie Ostatnia Iskra Nadziei Liudka zajmuje się psami uratowanymi z terenów przyfrontowych. Karmi je, myje i – za niemałą opłatą – szuka im nowego domu. Jednak za zamkniętymi drzwiami miejsce to nie przypomina bezpiecznej przystani dla straumatyzowanych zwierząt. Z każdym dniem przesuwa się granica tego, co można jeszcze nazwać opieką, a co już jest przemocą.

„Wszystkie zwierzęta wyglądają jak ludzie, a ludzie jak zwierzęta” – tak zaczyna się sztuka Volkonsky’ego. Wydarzenia autentyczne mieszają się tu z fikcją, rzeczywistość rozpływa się w sennym koszmarze, a podział na to co „ludzkie” i „zwierzęce” rozmywa się. W „Psach i ludziach” przyglądamy się wojnie, ale nie z perspektywy frontu, heroizmu czy narodowych narracji. Patrzymy okiem tych najbardziej bezbronnych ofiar konfliktu, których los leży w rękach innych.

Co to właściwie znaczy normalność? I czy da się do niej wrócić, gdy codzienność zostaje przerwana hukiem i wyciem syren? Czy istnieją granice człowieczeństwa? A jeśli tak, to gdzie one leżą?

 

Muzyka podczas spektaklu będzie wykonywana na żywo przez Michała Lazara i Aleksandra Pankowskiego vel Jankowskiego.

Czas trwania: 75 minut bez przerwy.

11.11 | g. 20:00 | COURO MACIÇO LIVE CONCERT

11.11 | wtorek | g. 20:00 | Klub Eljazz (ul. Kręta 3)
KUP BILET

Couro Maciço ożywia brazylijskie rytmy z dziką energią rock’n’rolla. Juliano Mendes i Luma wychodzą na scenę, łącząc zabumbę, gitarę elektryczną i żywe eksperymenty muzyczne, by tchnąć nowe życie w klasyczne utwory forró, nadając im odważne, nowoczesne brzmienie.

To muzyczna podróż przez rytmy mistrzów takich jak Luiz Gonzaga, Dominguinhos i Alceu Valença, przedstawiona na nowo, z mocnymi gitarami, pulsującym rytmem i odrobiną „skórzanej” (couro maciço) pewności siebie. Ich muzyka łączy bogactwo brazylijskich tradycji z energią współczesnego miasta, mieszając złożone rytmy z prostymi, chwytliwymi melodiami.

Czerpiąc z inspiracji takich jak manguebeat, czy eksperymentalne brzmienia Lenine’a i Marco Suzano, Couro Maciço stawia na artystyczną wolność, tworząc progresywne, taneczne i pełne werwy doświadczenie forrock’n’rolla – w pełni couromacistyczne.

Trwający około 75 minut koncert to prawdziwe święto wyobraźni, rytmu i nieograniczonych możliwości brazylijskiej muzyki.

[ENG]

Couro Maciço brings Brazilian rhythms to life with raw rock’n’roll energy. Juliano Mendes and LuMa take the stage, blending zabumba, electric guitar, and live experimentation to transform classic forró songs into a bold, modern sound.

Journey through the grooves of icons like Luiz Gonzaga, Dominguinhos, and Alceu Valença – reimagined with weighty guitars, rhythmic precision, and a touch of solid leather (couro maciço) attitude. Their music balances the richness of Brazil’s deep-rooted traditions with the urgency of urban life, mixing complex rhythms with melodies simple enough to whistle.

With influences ranging from manguebeat to the experimental sounds of Lenine and Marco Suzano, Couro Maciço embraces artistic freedom, delivering a progressive, swinging, and raw forrock’n’roll experience — truly couromacistic.

Running 1h15, this show is a celebration of imagination, rhythm, and the uncharted possibilities of Brazilian music.

JULIANO MENDES

Fot. Marcelle Cerutti

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Juliano Mendes studiował sound design w SP Escola de Teatro, grę na gitarze klasycznej w EMESP Tom Jobim oraz literaturę na FFLCH-USP.

W teatrze pracował jako projektant dźwięku przy spektaklach takich jak „Imagem Ausente” – wspieranym przez program VAI i skierowanym do osób z niepełnosprawnością wzroku; jako badacz i kompozytor oryginalnej ścieżki dźwiękowej do młodzieżowego przedstawienia „Outras Origens do Mundo” – realizowanego w ramach programu PROAC; jako gitarzysta w musicalu „Bertoleza”, nagrodzonym przez APCA tytułem Najlepszego Spektaklu 2020; oraz jako zabumbista w przedstawieniu „Monga” (nagroda Shell za Najlepszą Reżyserię, 2024, oraz ZKB Prize na Theater Spektakel w Szwajcarii, 2025).

Jako kompozytor został wybrany przez MIS – Muzeum Obrazu i Dźwięku do udziału w laboratorium artystycznym oraz nagrań w ich studiach. Brał także udział w ważnych festiwalach muzycznych, takich jak FAMPOP Avaré i Krajowy Festiwal Piosenki.

Był członkiem kolektywu SP Forró, gdzie zgłębiał świat tej muzyki od środka, zarówno poprzez badania, jak i występy na scenie, dzieląc ją z artystami takimi jak Enok Virgulico, Trio Sabiá i inni mistrzowie tej kultury.

Juliano Mendes studied Sound Design at SP Escola de Teatro, Classical Guitar at EMESP Tom Jobim, and Literature at FFLCH-USP. In theater, he worked as a sound designer on projects such as “Imagem Ausente” — supported by VAI and aimed at people with visual impairments; as a researcher and original soundtrack composer for the youth theater production “Outras Origens do Mundo” — supported by PROAC; as a guitarist in the musical “Bertoleza”, awarded Best Show by APCA in 2020; and as a zabumba player in “Monga” (Shell Award for Best Direction, 2024, and ZKB Prize at Theater Spektakel, Switzerland, 2025).

As a composer, he was selected by the MIS – Museum of Image and Sound – to participate in a laboratory and record in their studios; he also took part in important festivals such as FAMPOP Avaré and the National Song Festival. He was a member of the collective SP Forró, where he researched and experienced this musical universe firsthand, sharing the stage with artists like Enok Virgulico, Trio Sabiá, and other masters of this culture.

LuMa

Fot. Marcelle Cerutti

LuMa to muzyk i artysta dźwięku z São Paulo w Brazylii. Ukończył Sound for Theater w SP Escola de Teatro (2019–2020) oraz reklamę na Uniwersytecie Mackenzie (2012–2015).

Jego główne pole artystycznych poszukiwań to brazylijska gitara – eksploruje tradycyjne rytmy i akcenty, tworząc jednocześnie nowoczesne i eksperymentalne brzmienie.

W teatrze działa jako dyrektor muzyczny, kompozytor i operator dźwięku na żywo, łącząc eksperyment z opowieścią i performansem.

Pracował przy spektaklach takich jak „E.L.A” (technik dźwięku i operator ścieżki dźwiękowej – ogólnokrajowa trasa w ramach Palco Giratório/SESC i teatrów SESI) oraz „Monga” (dyrektor muzyczny, kompozytor oryginalnej muzyki i operator dźwięku na żywo – spektakl nagrodzony Shell Award za Najlepszą Reżyserię, 2024, oraz ZKB Prize na Theater Spektakel w Szwajcarii, 2025).

LuMa is a musician and sound artist based in São Paulo, Brazil. He holds a degree in Sound for Theater from SP Escola de Teatro (2019–2020) and in Advertising from Mackenzie University (2012–2015). His main artistic research focuses on the Brazilian guitar, exploring traditional rhythms and accents while developing a modern and experimental sound. In theater, he works as a musical director, composer, and live sound operator, combining experimentation with storytelling and performance.

In theater, he has worked on productions such as E.L.A (audio technician and soundtrack operator, national circulation through Palco Giratório/SESC and SESI theaters) and Monga (musical director, composer of the original soundtrack, and live sound operator, Shell Award for Best Direction, 2024, and ZKB Prize at Theater Spektakel, Switzerland, 2025).

18.11 | g. 12:00 i 14:00 | BUDOWNICZKI | reż. Paweł Paszta | Spektakl towarzyszący

18.11 | wtorek | g. 12:00 | Spektakl z audiodeskrypcją i przewodnikiem sensorycznym | Mała Scena Teatru Polskiego w Bydgoszczy
18.11 | wtorek | g. 14:00 | Spektakl z tłumaczeniem na Polski Język Migowy | Mała Scena Teatru Polskiego w Bydgoszczy


WSTĘP WOLNY – OBOWIĄZUJĄ ZAPISY.
REZERWACJA DARMOWYCH WEJŚCIÓWEK: 

Patrycja Gancarczyk – tel. 691 061 875
patrycja.gancarczyk@woak.pl

Osoby, które chcą skorzystać z audiodeskrypcji i przewodnika sensorycznego,
prosimy o rezerwację pod numerem telefonu/SMS: 691 061 875.
Sprzęt będzie dostępny przy wejściu do sali.

Wojewódzki Ośrodek Animacji Kultury w Toruniu

reżyseria Paweł Paszta
scenariusz Magdalena Jasińska i Paweł Paszta na podstawie wywiadów i archiwalnych materiałów zebranych w województwie kujawsko-pomorskim razem z Anną Weistock-Mentel
muzyka Paweł Paszta
aranżacje Igor Nowicki
światła Adam Mazurkiewicz
dźwięk Mikołaj Kiełbasiewicz
produkcja Anna Weistock-Mentel, Maja Niedlich

obsada Marta Parfieniuk-Białowicz, Grażyna Rutkowska-Kusa

Kiedyś, całkiem niedawno, żyły w naszym regionie. Religijna znachorka z Dorposza Szlacheckiego, dyrektorka domu kultury z Gostycyna, żona sołtysa z Małej Kloni, gosposia księdza Lewańczyka z Łobdowa. Była też pani Zosia z KGW Sokołowo, Renata – organizatorka życia zespołu Bladowiacy, Irena – lekkoatletka z Mędromierza oraz Amelia – ziemianka prowadząca w pałacu lekcje dla kobiet. Co je łączy? Jaka pajęczyna? Jak zostały zapamiętane i zapisane w opowieściach prawdziwych i nieprawdziwych, które wciąż powtarzają ci, którzy je znali.

Spektakl „Budowniczki” opowiada o pamięci. Próbuje z różnych stron zobaczyć świat kobiet o wielkiej mocy, które pozostawiły po sobie potężne fundamenty dla rozwoju kolejnych pokoleń. Wykonywały codziennie tytaniczną pracę, budując rzeczywistość, podtrzymując życie, dbając o wartości. Jak zapisały się w naszej dzisiejszej zbiorowej świadomości? Z odrobiną ironii i humoru, a także z zaproszeniem do refleksji, na scenie odbywa się zabawa w przywoływanie duchów.

W spektaklu wykorzystujemy fragment książki „Służące do wszystkiego” Joanny Kuciel-Frydryszak oraz wiersz „Nie mogę trafić” księdza Jana Twardowskiego.

[ENG] 

Once upon a time, not so long ago, they lived in our region. A religious folk healer from Dorposz Szlachecki, the director of the cultural centre in Gostycyn, the village head’s wife from Mała Klonia, Father Lewańczyk’s housekeeper from Łobodów. There was also Mrs. Zosia from the Country Housewives’ Club in Sokołów, Renata – who organised the life of a folk group Bladowiacy, Irena – an athlete from Mędromierz and Amelia – a landowner who taught lessons for women in a palace.

What bound them together? What invisible web connected their lives? And how are they remembered – in the stories, both true and embellished, still retold by those who knew them?

“The Builders” is a story about memory. It invites us to look at the world of strong women from many angles – women who laid down the foundations on which later generations could grow. Through daily, often invisible labor, they built reality, sustained life, and safeguarded values. How do they live on in our collective memory today? With a touch of irony and humour, and an invitation to reflect, the stage becomes a place for a spirited summoning of ghosts.

The performance draws on excerpts from Joanna Kuciel-Frydryszak’s book “Służące do wszystkiego” (Servants for Everything) and the poem “Nie mogę trafić” (I Can’t Find the Way) by Father Jan Twardowski.

AURORA 2025 – NABÓR OTWARTY / OPEN CALL

fot. Patryk Chenc

[PL]

AURORA 2025 – NABÓR OTWARTY

Już po raz piąty zapraszamy dramatopisarzy i dramatopisarki do zgłaszania tekstów do AURORY. Nagrody Dramaturgicznej Miasta Bydgoszczy.

Szczegóły w Regulaminie Nagrody

Zgłoszenie wraz z systemem przesyłania Utworów dostępny jest do dnia 28 kwietnia do godziny 23:59 czasu polskiego.

Formularz zgłoszeniowy – https://form.jotform.com/250581985987074

Kontakt z Sekretarzynią Konkursu Małgorzatą Maciejewską: aurora@teatrpolski.pl.

[EN]

AURORA 2025 – OPEN CALL

For the fifth time we’re inviting playwrights to submit texts for the AURORA. The Drama Award of the City of Bydgoszcz.

Details in Regulations.

The Application along with a Work submission system is open until April 28th 23:59 Polish time.

Application form – https://form.jotform.com/250581985987074

Contact with AURORA Secretary Małgorzata Maciejewska: aurora@teatrpolski.pl.

Województwo Kujawsko-Pomorskie partnerem głównym Festiwalu Prapremier 2024 PROGRES/REGRES

Niezmiernie miło nam poinformować, że partnerem głównym tegorocznej edycji Festiwalu Prapremier PROGRES/REGRES jest Województwo Kujawsko-Pomorskie!

Projekt dofinansowany został w ramach programu „Kujawy + Pomorze – promocja potencjału gospodarczego regionu – edycja III”.

Wydarzenie współfinansowane zostało ze środków Europejskiego Funduszu Rozwoju Regionalnego w ramach Regionalnego Programu Operacyjnego Województwa Kujawsko-Pomorskiego na lata 2021-2027.

08.11 | 19:00 | ANGELA (A STRANGE LOOP) | reż. Susanne Kennedy | INAUGURACJA FESTIWALU

08.11 | piątek | g. 19:00 | Bydgoskie Centrum Targowo-Wystawiennicze  | KUP BILET

Ultraworld Productions | Niemcy

 koncept, tekst, reżyseria  Susanne Kennedy

koncept, scenografia Markus Selg

dźwięk i montaż Richard Alexander

ścieżka dźwiękowa Richard Alexander, Diamanda La Berge Dramm

muzyka na żywo Diamanda La Berge Dramm

video Rodrik Biersteker, Markus Selg

kostiumy Andra Dumitrascu

dramaturgia Helena Eckert

światło Rainer Casper

partner artystyczny  Friederika Kötter

inspicjentka Lili Süper

asystenci kostiumografa Anna Jannicke, Anastasia Pilepchuk

producent  Ultraworld Productions

koprodukcja Wiener Festwochen (Vienna), Festival d’Automne à Paris & Odéon – Théâtre de l’Europe (Paris), Festival d’Avignon (Avignon), Holland Festival (Amsterdam), Kunstenfestivaldesarts (Brussels), National Theatre Drama / Prague Crossroads Festival (Prague), Romaeuropa Festival (Rome), Teatro Nacional de São João (Porto) and Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz (Berlin).

stażysta Tobias Klett

występują Diamanda La Berge Dramm, Ixchel Mendoza Hernández, Kate Strong, Tarren Johnson, Dominic Santia

głosy Ethan Braun, Rita Kahn Chen, Diamanda La Berge Dramm, Ixchel Mendoza Hernández, Tarren Johnson, Susanne Kennedy, Ruth Rosenfeld, Dominic Santia, Rubina Schuth, Cathal Sheerin, Marie Schleef, Kate Strong

produkcja ULTRAWORLD PRODUCTIONS
kierownictwo Something Great
kierownictwo produkcji artystycznej Philip Decker
kierownictwo produkcji technicznej Sven Nichterlein
budowa sceny Stefan Pilger
dystrybucja międzynarodowa Rui Silveira – Something Great, Cathal Sheerin – Something Great
kierownik trasy Niki Fischer – Something Great

ANGELA (A STRANGE LOOP)

Spektakl niemieckiego duetu artystycznego – reżyserki Susanne Kennedy i artysty multimedialnego i multidyscyplinarnego Markusa Selga, pokazywany był na najważniejszych festiwalach teatralnych na świecie, jak m.in. Avignon Festival, Wiener Festwochen, Festival d’Automne à Paris, Romaeuropa, czy Holland Festival.

ANGELA je obiad ze swoim chłopakiem

ANGELA ogląda Netflixa

ANGELA cierpi

ANGELA nie jest już sama w swoim ciele

ANGELA rozmawia z Susie

Mama ANGELI karmi ją piersią jako małą dziewczynkę

ANGELA znika

„Co sprawia, że ANGELA jest ANGELĄ?”.  Reżyserka Susanne Kennedy i artysta multimedialny Markus Selg chcą się tego dowiedzieć. Używając jako tło zbiorowe doświadczenie indywidualnej wrażliwości z ostatnich kilku lat, przybliżają życie ANGELI, szukając możliwych odpowiedzi, podążając za nią od narodzin do śmierci i poza nią. „ANGELA (a strange loop)” to studium przypadku, ukazujące co w dzisiejszych czasach oznacza być człowiekiem: jakie ślady pozostawiają w nas historia, więzi międzyludzkie i społeczeństwo? Jest to zbliżenie na życie kobiety, medytacja nad chorobą oraz przynależnością. Towarzyszymy ANGELI w codziennych sytuacjach: pobudce i spaniu, narodzinach i rodzeniu, starzeniu się i śmierci. Aż wreszcie, widzimy moment, w którym zapada w chorobę.

Czy tajemnicze symptomy ANGELI przemieniają ją, czy zwyczajnie zmieniają jej dotychczasowy sposób patrzenia na życie? ANGELA stworzona jest z miliona doświadczeń, z których część została jej opowiedziana przez innych. Ostatecznie, może być niczym więcej niż dziwną pętlą, niekończącą się sekwencją. Co staje się widoczne, kiedy robimy coraz większe i większe zbliżenie na życie ANGELI? Wszystkie uwarunkowania społeczne i wirtualne światy łączą się w jej percepcji. Wszystko o czym śni, słyszy i myśli, wszystko co niedokończone, niedopowiedziane i nieprzetworzone manifestuje się w przestrzeni i staje się odzwierciedleniem jej wewnętrznego niepokoju – niczym nieustanny stan zapalny. Tak samo świat zdaje się być pogrążony w niekończącym się stanie niepokoju, z otwartymi, płonącymi ranami i bezustannym wzburzeniem, rozpalającym się na nowo poprzez jego własne pętle przyczynowo – skutkowe. To hiperzapalenie staje się stanem obejmującym wszystko. Głowa oraz ciało ANGELI są scenerią, krajobrazem, sceną. Gdy jej sny nabierają kształtu, jest zmuszona stawić im czoła.

W swojej praktyce artystycznej Susanne Kennedy i Markus Selg badają potencjał istniejący pomiędzy ciałami, technologią, sztuką i rytuałami. Podążając za estetyką posthumanistyczną i wykorzystując techniki multimedialne, „ANGELA (a strange loop)” zabiera nas w głąb zagadnień dotyczących kwestii istnienia, tożsamości, świadomości oraz natury rzeczywistości. Jest to poetycka, społeczna analiza przez pryzmat osób chorych, a nie zdrowych. Jak społeczeństwo może poradzić sobie z indywidualnym doświadczeniem choroby? Jak wspólnie doświadczamy życie i śmierć? Jak troszczymy się o siebie, kiedy życie dobiega końca?

Spektakl z napisami w języku polskim.

Uwaga! W spektaklu wykorzystywane są światła stroboskopowe.

 

[ENG] ANGELA (A STRANGE LOOP)

ANGELA eats dinner with her boyfriend

ANGELA watches Netflix

ANGELA is in pain

ANGELA is no longer alone in her body

ANGELA talks to Susie

ANGELA’s mother breastfeeds her as a baby

ANGELA disappears

“What makes ANGELA, ANGELA?” Director Susanne Kennedy and multimedia artist Markus Selg want to know. Using the collective experience of individual vulnerability from the last several years as a backdrop, they zoom in on ANGELA’s life in search of possible answers, following her from birth to death and beyond. “ANGELA (a strange loop)” is a case study in what it means to be human today: What marks do history, personal bonds and society leave on us?

It is a close-up of a woman’s life, a meditation on illness and belonging. The journey accompanies ANGELA through everyday situations: waking and sleeping, being born and giving birth, aging and death. And finally, we see her fall ill. Are ANGELA’s mysterious symptoms transforming her or are they simply changing the way she looks at her life so far? ANGELA is made up of millions of experiences, some of which were told to her by others. Ultimately, she might be nothing but a strange loop, an endless sequence. What becomes visible as we zoom further and further in on ANGELA’s life? All social states and digital worlds are connected by her perception. Everything she dreams, hears and thinks, everything unfinished, unspoken, and unprocessed manifests itself in space and becomes a reflection of her inner turmoil, like a state of constant inflammation. Just as the world appears to be in endless turmoil, with open burning wounds and nonstop agitation, reigniting itself on its own feedback loops. Hyperinflammation becomes an all-encompassing condition. ANGELA’s head and body are the setting, the landscape, the stage. As her dreams take shape, she is forced to face them.

In their artistic practice, Susanne Kennedy and Markus Selg explore the potential that exists between bodies, technology, art and rituals. Pursuing a post-humanist aesthetic and taking a multimedia approach, “ANGELA (a strange loop)” takes us on a deep dive into the fundamental questions of existence, identity, consciousness and the nature of reality. It is a poetic, social analysis through the lens of the diseased rather than the healthy. How can a community deal with the individual’s experience of illness. How do we live and how do we die together? How do we care for each other, when life comes to an end?

„ANGELA (a strange loop)” is the first stage production of Kennedys and Selgs recently founded independent performing arts structure ULTRAWORLD PRODUCTIONS.

Caution! Strobo Effects are used in this performance.

 

10.11 | 19:00 | SYN | reż. Bobi Pricop

10.11 | niedziela | g. 19:00 | Teatr Polski w Bydgoszczy | KUP BILET 

Teatrul Regina Maria | Rumunia

tekst  Florian Zeller

reżyseria Bobi Pricop

scenografia Oana Micu

muzyka Eduard Gabia

tłumaczenie Silvia Năstasie

występują Richard Balint, Corina Cernea, Alina Leonte, Robert Balint, Șerban Borda, Sorin Ionescu

SYN

Czy sama miłość wystarczy, by ocalić kogoś poza sobą?

Nicolas jest nastolatkiem przechodzącym przez burzliwy okres w swoim życiu. Sytuacja rodzinna, której daleko jest do ideału, komplikuje sprawy – jego rodzice są rozwiedzeni, a ojciec założył nową rodzinę. Odpowiedzialność za pomoc Nicolasowi w tym krytycznym okresie spada kolejno na jego rodziców. Kiedy jego matka staje się przytłoczona sytuacją, zadanie przejmuje ojciec, zdeterminowany, by przeprowadzić syna przez burzę. Jednak podróż okazuje się o wiele trudniejsza niż przewidywał – musi zmierzyć się z bezradnością, miłością, buntem, poczuciem winy oraz własnymi traumami. W miarę jak emocjonalny chaos otaczający Nicolasa nasila się, ojciec podejmuje decyzje, które prowadzą do nieprzewidzianych konsekwencji dla wszystkich zaangażowanych.

„Syn” to przejmujący dramat rodzinny, który bada delikatny temat depresji wśród nastolatków i bólu, jakiego doświadczają wszyscy dotknięci tak trudną rzeczywistością.

Spektakl z napisami w języku polskim i angielskim.

Wydarzenie zorganizowane w ramach Sezonu Kulturalnego Rumunia–Polska 2024-2025.

Sezon Kulturalny Rumunia-Polska 2024–2025 organizują rumuńskie Ministerstwo Kultury i Rumuński Instytut Kultury wraz z polskim Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz Instytut Adama Mickiewicza, przy wsparciu Instytutu Polskiego w Bukareszcie.

Ograniczenia wiekowe: 14+

[ENG] THE SON

Is love alone enough to save anyone other than yourself?

Nicolas is a teenager navigating a turbulent phase in his life. Complicating matters, his family situation is far from ideal—his parents are divorced, and his father has started a new family. The responsibility of helping Nicolas through this critical period falls alternately on his parents. When his mother becomes overwhelmed by the situation, his father steps in, determined to guide his son through the storm. However, the journey proves far more challenging than expected, as he grapples with feelings of helplessness, love, rebellion, guilt, and his own traumas. As the emotional chaos enveloping Nicolas intensifies, the father makes decisions that lead to unforeseen consequences for everyone involved.

„The Son” is a poignant family drama that explores the sensitive topic of teenage depression and the pain experienced by all those affected by such a difficult reality.

Polish and English subtitles.

Age restrictions: 14+

 

   

12.11 | 19:00 | KILL ME | reż. Marina Otero

12.11 | wtorek | g. 19.00 | Bydgoskie Centrum Targowo-Wystawiennicze | KUP BILET 

tekst i reżyseria  Marina Otero

muzyka na żywo Myriam Henne-Adda

asystentka reżyserki Lucrecia Pierpaoli

światło i scenografia Victor Longás Vicente, David Seldes

dźwięk Antonio Navarro

kostiumy Andy Piffer

krawiec Guadalupe Blanco Galé

kierownik techniczny i światło podczas trasy Victor Longás Vicente

dramaturg Martín Flores Cárdenas

zdjęcia Sofia Alazraki

video Florencia de Mugica

producentka ogólna i wykonawcza Mariano de Mendonça

produkcja Marcia Rivas

asystent producenta Kysy Fischer

dystrybucja Otto Productions (Nicolas Roux, Lucila Piffer), Tecuatro (Jonathan Zak, Maxime Seugé), PTC Teatro (Olvido Orovio)

koproducenci Teatros del Canal (Madrid) – HAU Hebbel am Ufer (Berlin) – Cité européenne du théâtre, Domaine d’O, Montpellier/ PCM2024 – Théâtre du Rond-Point (Paris) – Célestins, Théâtre de Lyon – FITEI Festival Internacional de Teatro de expressão Iberica (Porto)

występują Ana Cotoré, Josefina Gorostiza, Natalia Lopéz Godoy, Myriam Henne-Adda, Marina Otero, Tomás Pozzi

KILL ME

Jak mówi Otero: „Kill me (2024) to kontynuacja Love me (2022) i Fuck me (2020). Równocześnie spektakl jest częścią projektu „Remember to live”,
w którym zamierzam prezentować różne wersje sztuk do dnia mojej śmierci. Wkraczając w stereotypowy kryzys wieku średniego, zaczęłam nagrywać wszystko, co robiłam: z otwartym sercem przez 24 godziny na dobę, nagrywałam wszystko. Aż pewnego dnia upadłam, otrzymałam diagnozę psychiatryczną i zdecydowałam, by zrobić z tego mój kolejny projekt.
Przywołałam czterech tancerzy z zaburzeniami psychicznymi i postać Niżyńskiego, aby stworzyć spektakl o szaleństwie miłości.

Ale powiemy, że tematem spektaklu jest zdrowie psychiczne, żeby wpisać się w inkluzywną agendę rynku sztuki. Bo to jest moje przekleństwo, konieczność tworzenia spektakli, które będą się sprzedawać, dzięki czemu mogę przeżyć w świecie (lub w teatrze).”

Spektakl z napisami w języku polskim i angielskim.

Ograniczenia wiekowe: 18+, zawiera sceny nagości. W spektaklu wykorzystywane są światła stroboskopowe. Uwaga! Spektakl porusza kwestie samobójstwa. 

[ENG] KILL ME

Kill me (2024) is the continuation of Love me (2022) and Fuck me (2020), in turn it is part of the “Remember to live” project, in which I intend to present different versions of plays until the day I die.

Going into the cliché of the midlife crisis, I began to film everything I did: with my heart open 24 hours a day, I recorded everything. Until one day I collapsed, got a psychiatric diagnosis and decided to make it my next work. I summoned four dancers with mental disorders and Nijinsky to create a spectacle about the madness for love. But we are going to say that the topic is mental health to enter within the inclusive agenda of the art market. Because that is my curse, having to create shows that sell and thus stay alive in the world (of theater).

Polish and English subtitles.

This show is recommended for ages 18 and up and includes full nudity
and strobe lighting.
Sensitive content warning: mention of suicide